Emi OTAGURO, “untitled”, moudon on flock paper, 400×540 mm, 2005

Emi OTAGURO | 大田黒衣美

A mutter of Otaguro
Otaguro used to draw a big crow’s flapping of wings with acrylic color in a rather rough way without stopping on an unrefined flashy blue sheet, which you would see at a construction site, instead of a canvas. She told me that she exhibited it in the landscape in a southern island. I was attracted to her vigorous healthy expression filled with energy.
The cry-like expression has become whisper-like installation before I knew. She started to create dogs, as the main motif, angels, birds, and ladders with pieces of portable- sketchbook-sized cardboard, using a cutter instead of brushes. She said she wanted to express the feeling of a tame dog being tied to a cage or a collar, which resigns wildness, evading the sense of wildness emerging now and then.
You would be convinced when you would see her using fragments instead of old concept or technique like muttering quietly, putting the fragments together, and communicating with the space. The true primitive pleasure and feeling towards creating comes through clearly.
Nobuya HITSUDA, Artist, Professor of Tokyo National University Fine Arts and Music
大田黒さんのつぶやき
工事現場でみかける派手で無骨なブルーシートをキャンバスがわりに、アクリル絵の具で一気阿成に吐き出すという風に、大鴉のはばたきを水墨画の草体気味にドローイングしていた。南の島で風景の中に展示したのだという。あふれるエネルギーをぶちまけた元気で健康な表現にひかれた。その叫びのような表現がいつの間にか小声で語るインスタレーションに変っていた。持ち運べるスケッチブックぐらいの厚紙を使った色の無い切り絵で、犬を主なるモチーフに人や天使や鳥や梯子を筆がわりのカッターを振り回し図画工作するようになった。人に飼い慣らされて野生を封印した犬が、檻や首輪にしばられながら時に、ぬるりと出現する野生の感触をはぐらかしつつ、でももらす「いきづかい」のような想いを表現したいのだという。
堅苦しい観念や技法ではなくボソボソつぶやくように断片断片を組み合せ、場とのやりとりをしていくと、なるほどとうなづいてしまう。嘘のないプリミティブな作ることの楽しみや想いがちゃんとしみ出てくるのだ。
櫃田伸也（美術家、東京藝術大学教授）

Hyon Gyon,“Ki Do Ai Raku”, acrylic on canvas, 2270×1820 mm, 2008

Hyon Gyon | ヒョンギョン

In between myself and insanity
Twisting hair, protruding hair pins, a glimpse of a crown on top of a head and the vivid colors of decorations like the embroidery on the chogori（Korean Dress）are the primary elements of Hyon Gyon’s recent large scale portrait series which has been exhibited in rapid succession. The artist’s racial identity is highly visible in these elements. Apart from painting Hyon Gyon has also started to produce photographic and video pieces in which ideas of feminism rather than racial identity are highlighted. In whatever medium she chooses to use these two themes are what Hyon Gyon being a Korean female needs to tackle as she confronts herself living in a foreign country. Sequentially both themes can also be used as important weapons in the creation of her art.
The attraction of her work is that it is not however constrained by this particular content. Well considered images seem to overlap with scenes from horror movies or comics that have a superficial and morbid feel to them. In conclusion, the emerging talent Hyon Gyon while being aware of her origins challenges how close her “normal self” can come face to face with the notion of insanity. It is this that makes Hyon Gyon such a special artist. Madoka MORIGUCHI, Art Critic
私と狂気の狭間
　うねる髪に突き刺さる簪や頭上に垣間見える宝冠、チマチョゴリの刺繍など装飾品の色彩の鮮やかさ。これらは、近年矢継ぎ早に発表されるHyon Gyonの大作ポートレートの画面上に描かれた主要な要素であり、民族的アイデンティティーが見て取れる。一方、絵画の他に最近取り組みはじめた写真や映像作品からは、民族性よりむしろ女性性がせり出している。いずれにせよ、女性であり、韓国人であるHyon Gyonが外国で自身と対峙すれば自ずと導かれるテーマであり、制作上の大事な武器だといってよいだろう。
　ただ、そうした点に拘泥されない魅力を彼女の仕事は備えている。練られたイメージは、ホラー映画や漫画の一場面に見られる病的で浅薄な感覚と重なっているようでもある。つまるところ、Hyon Gyonという新進作家は、自身の出自を自覚しながらも日常の私がどこまで狂気と向き合えるかに挑んでいて、その一点がHyon Gyonを輝かせているのだ。　
森口まどか（美術評論家）

Takehiko HOSHINO,“untitled", oil on canvas, 410×320 mm, 2008

Takehiko HOSHINO | 星野武彦

Between Erasure and the Surplus
I wonder if I should call it irreparability. Hoshino’s works remind me of some kind of strange warm sense which I forget most of the time. Is it because of the shadows with slight warmth of human body, which move without a sound in the grey world where time stops? The tender pink and yellow shadows, which move now and then, become drops of light and then come out of canvas, being indifferent to the order that regulates their background. Its vague and uncertain existence might be the vestige of ourselves, the irreparable fragment of our existence as surplus which is registered as unsubstantial information with this world.
The canvas gets plainer as the artist moves the brush. But, as he does so, that is to say, erase what he paints, he tries to show the new horizon to one side –fragmentary side- of the flood of the images. It is a trial to get real images of things, which cannot be seen normally, to ourselves. Then what you didn’t see before slowly comes again into your conscious, and, without even being noticed, inside of the canvas become outside and vice versa, in short, the world itself is replaced. A cry without a sound is engraved in the vacuum world.
Ai MATSUDA, Art Critic
消去と余剰のはざまに
　取り返しのつかなさとでも言おうか、眺めるほどに、ふだんは忘れ去っているはずの得体のしれない生温かな感覚を呼び覚ます。それは、時が止まってしまったかのような灰色の世界に、わずかな体温だけを感知させ、音もなくうごめく影たちのせいだろうか。やわらかに発色するピンクや黄色の、不定形にゆらめくそれらの影たちは、背後に横たわるいかなる規制へも無関心なまま、やがて光の粒となって画面の外へとこぼれ出す。あいまいで不確かなその存在は、実体のない情報として絶えず世界に登記されてゆく、われわれ自身の名残、還元しえない余剰としての存在の断片なのかもしれない。
　画面は作家が幾度も筆を動かすほどに消失してゆくが、消し去ることによって、今日の世界に氾濫する映像の一面的、断片的側面に対し、新たな地平を現前させようとしている。それは、通常見ることのできない本来の姿をわれわれのもとへと取り戻そうとする試みと言える。 そうして、ゆっくりと、これまで見えていなかったものが意識のなかへと再侵入し、自身も気付かぬうちに画面の内と外、すなわち世界そのものが入れ替わっているのだ。真空世界に無音の叫びが刻み込まれる。

松田 愛（美術批評）